AWARDS 2025

Špela ČADEŽ :
大胆で斬新なスタイルのビジョンの中に、卓越したドラマトゥルギーの精密さが際立つ作品。

Caibei CAI :
最も怖い怪談を生み出すのは、存在の本質に対するあからさまな執着である。

西野慎二郎 :
列車内ののどかな会話から始まり、気づけば思いがけない世界へ連れていかれる“心地よい裏切り”が魅力的でした。軽やかに始まる導入で警戒心をほどきながらも、自然と不思議な違和感がすっと入り込んでくる。15分という短さの中で、想像を超える展開を無理なく成立させる手腕が見事で、コンパクトながら引力の強い作品でした。

Špela ČADEŽ :
A film distinguished by exceptional dramaturgical precision in a bold, refreshingly original stylistic vision.

Caibei CAI :
What makes the scariest ghost stories is the overt obsession with the nature of existence.

NISHINO Shinjiro :
It starts with a tranquil conversation aboard a train, but then you find yourself unexpectedly transported to another world. This “pleasant betrayal” is what captivated me about this work. The lighthearted opening sequence lowers your guard, but you can feel a subtle, strange sense of unease slipping in. 15 minutes is a very short time, but this piece manages to give us a plot twist no one could have seen coming without it feeling forced. This was a compact, but incredibly compelling work.

この作品は、機械的な反復と流れるような意識との間に特別な均衡を見出している。日常生活の中で、一人の平凡な女性が抱える静かな疲労を鋭く捉えている。不確かな世界において、本作は繊細な表現方法を用い、“触れること”こそが現実の真の拠りどころであることを示している。それは単に感覚を呼び覚ます以上のものであり、女性の体に対する力強い宣言でもある。

The film finds a special balance between mechanical repetition and flowing consciousness. It keenly perceives the silent weariness of an ordinary woman in her daily life. In an uncertain world, the film uses a delicate mode of expression to show that 'touch' is the true anchor of reality. This is more than just waking up the senses; it is a strong declaration of the female body.

This film impresses with a minimalist approach, demonstrating how much can be achieved by animating on a single sheet of paper. Its outstanding sound design takes on the role of the main storyteller, powerfully driving the narrative and sharpening the reflection on how human expansion is pushing animals out of their natural space.

この作品は、言葉とアニメーションの間に広がる空間を美しく探求し、意味がいかに儚く消え去ってしまうかを明らかにしている。言葉は物事の表面にしか触れないことを示唆しつつも、それが変わると世界全体までもが変わってしまうように感じさせる。

The film beautifully explores the space between language and animation, revealing how quickly meaning can disappear. It hints that words only touch the surface of things, yet when they change, the whole world seems to change with them.

ワックスを薄く削った断面を一枚ずつ撮影し、ストップモーションで積み重ねることで、有機的な形の変化を浮かび上がらせた作品です。この実験的で挑戦的な技法を高い完成度へと昇華していることに驚きました。偶然性と素材のふるまいを注意深く観察させる強度を持ち、変化の途中に立ち上がる一瞬の“ゆらぎ”を視覚化している点も興味深く。固定された形ではなく、生成し続ける状態そのものを提示し、作家の好奇心や遊び心が鑑賞者の知覚的な興味へとても自然に転換される点も印象的でした。

This work captures an organic transformation of shapes by photographing thinly shaved cross-sections of wax one by one and animating them with a stop-motion technique. I was amazed at the way this experimental and challenging technique was put together to such a high level. The coincidences and the way the matter moves make this a very compelling piece of work, and the fleeting moments of “fluctuation” that happen mid-transformations were also fascinating to observe. Rather than presenting a fixed form, it showcases continuous generation in itself, and the way the artist's curiosity and playfulness naturally convert into the viewer's perception and interest was also a memorable part of this work.

本作の独創的なビジュアルスタイルは、遊び心ある不条理さと感情の深みを巧みに両立させ、先住民の経験、歴史的なトラウマ、そして日常の喜びを織り交ぜている。軽快でありながら深刻、私的でありながら普遍的というアニメーションが持つ可能性を同時に示している。家族と創造という行為そのものを讃える、愛情に満ちた作品だ。

The film’s inventive visual style balances playful absurdity with emotional depth, weaving together Indigenous experiences, historical trauma, and everyday joy. It demonstrates animation’s capacity to be both lighthearted and serious, intimate and universal, all at once. A labor of love that honors both family and the creative act itself.

主人公の空虚な心と虚ろな眼差しは、人生に潜む様々な皮肉を映し出している。悲劇的でありながら、その展開にはかすかな苦いユーモアが漂う。昔ながらの日本のメディアでよく見られる抑制された技法と穏やかで印象的なレイアウトを取り入れることで、本作は長編映画が語りうる最大限の物語を最小限の手法で描いている。

The protagonist’s empty heart and vacant eyes mirror the many ironies of life. It’s tragic, yet its twists carry a faint, bitter humor. Drawing on the restrained techniques and calm, striking layouts often seen in traditional Japanese media, the film achieves the fullest story a feature can tell with minimal means.

With a quiet and intimate tone, the story moves between dreams and reality to reveal the fragile truths of aging, helplessness, and neglect, leaving a deep emotional impact.

30秒部門のどの作品も短い尺であるということが強く意識されていて、媒体に適したワンアイデアがシンプルに突き詰められていてとても興味深く拝見しました。その中でこの一作は水槽の魚を人間に置き換えるシンプルなアイデアを確かなアニメーションの技術とラフな描線風の画面によって哀愁混じりに面白おかしくまとめ上げている。つまり発想に対して表現方法が高い水準で噛み合っている、非常に完成度が高い作品だと感じ、3人の審査員たちの話し合いで大賞とさせていただきました。おめでとうございます。
この映画祭を通してアニメーションというメディウムの本来持っている懐の広さを改めて実感し、参加されているみなさんの作品をもっとたくさん観たいと思いました。地球全土でもっと無限にアニメーションが作られるといいと思います。ありがとうございました。

All the entries in the 30-second category were crafted with their short duration in mind, refining a single idea to its simplest form to suit the medium. I found them all fascinating to watch. Among them, this particular work takes the simple idea of replacing the fish in an aquarium with a human and skillfully uses solid animation techniques along with a rough, sketchy style to create something poignant, yet humorous. In other words, we felt this work’s concept and expression were perfectly aligned, and that it was extremely well put together. After discussion among the three judges, we decided to award it the Grand Prize. Congratulations.
Through this film festival, I was reminded of the medium of animation’s inherent diversity, and I found myself wanting to see even more of all the participants’ work. I really hope animation can continue to be endlessly produced all over the earth. Thank you.

暗闇や未知のものに対して不安を感じていた幼少期の記憶を呼び起こす、ほの暗くも優しい夜の世界での不思議な出会いの物語の中に、無意識の偏見や他者理解といった近代的なテーマを感じさせる作品です。

単なる見立てとしてではなく、表意文字としての「漢字」を用いて日常を抽象化し、こんにちの日本に生きる人々の生活の中にあるおかしみを巧みに浮かびあがらせる、高度な社会性をもつ作品です。

ファンタジックな冒険活劇でありながら、この北の大地に生まれ暮らす人々にとっては、見渡すかぎり雪深い景色にどこかなじみ深さも感じさせる、若き才能にあふれた作品です。

同じ場所・時代に生きていても、それぞれの視点によって多面性のあるこの世界で、借り物ではない自分の視点で世界を見つめ、その美しさを見出すことの尊さを感じさせる寓話的作品です。

B級ホラー的な荒唐無稽さの中に、今の時代を生きる私たちにとっては、どこか絵空事とは思えない緊迫感が流れています。エンターテイメント性とともに、きわめて現代的な問いを投げかける作品です。

私たちは、この宇宙の一部として生まれ還っていくこと、そして、物質が消えても確かに残るものがあることを知っています。ビビッドで色彩に溢れる画面とともに、人生にささやかで美しい希望を与える作品です。

いつの時代もコミュニケーションの大きな課題となる「距離感」について、ポップかつユーモラスに描いています。結末を明示しないことで物語を鑑賞者自身の実体験に引き寄せる、きわめて現代的な語り口の作品です。

日本で多くの人が一度は経験する非日常の体験への共感を起点に、現代的なビジュアルや台詞まわしなどの巧みな演出によって、題材からは思いもよらない清涼感を与える作品です。

様々なコト・モノに「パフォーマンス」が求められるようになって久しい現代において、時間、歴史、文化といった、人々の営みとは誰のものなのかを問いかける、高い同時代性をもつ作品です。